[CANCIONES DEL 2012] Número 2.- "Werewolf" - Fiona Apple

"Werewolf" no es la primera, ni será la última canción que Fiona Apple haga sobre una relación fallida. Cualquier hombre que piense en involucrarse románticamente con esta mujer debe aceptar que puede ser objeto de una futura canción de despecho. Pero lo que sí consigue la cantante con este tema es demostrar todo lo que ha madurado, como compositora y como persona. La rabia adolescente que la caracterizó en trabajos anteriores es reemplazada por una tristeza adulta y autocrítica. La frase inicial "Podría compararte a un hombre lobo por la manera en la que me diste por muerta, pero debo admitir que yo te entregué una luna llena" es una aceptación melancólica de que las cosas no funcionaron en parte por su propia inhabilidad de mantener a flote la relación. El tema es realmente íntimo, como si sólo uno estuviera escuchando el piano y la voz de Fiona. Cada palabra que pronuncia lo hace con una preciosa carga emocional, la cual aumenta hacia el último coro cuando de fondo explotan voces de niños jugando. Cómo una triste epifanía Apple canta "Todavía podemos apoyarnos mutuamente, lo único que tenemos que hacer es evitarnos" y concluye repitiendo "No hay nada de malo cuando una canción termina en un acorde menor". Un tema desgarrador, pero también hermoso. Si bien está lleno de todo el peso que implica terminar una relación, también es una catarsis que permite superar esta y seguir adelante. Una vez que se admiten las culpas, las heridas pueden empezar a sanar, y se puede pasar a otra cosa. Canción perfecta para un fin de año.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 2.- "Love This Giant" - David Byrne & St. Vincent

No se supone que los proyectos colaborativos o supergrupos funcionen en el mundo de la música. Juntar a dos o más compositores con fama previa para trabajar en material en conjunto generalmente concluye en resultados predecibles y repetidos: un artista se come al otro (Björk con Dirty Projectors); las partes involucradas intentan hacer predominar sus propias visiones pese a ser incompatibles (Lou Reed con Metallica), o su renombre hace que ninguno se atreva a corregir al otro, terminando en desastre (¿Alguien escuchó el tema de Paul McCartney con “Nirvana”?). Sin embargo, de vez en cuando, un álbum colaborativo puede encontrar el balance entre sus miembros, el equilibrio perfecto entre dos almas experimentales que sumando sus talentos  crean algo totalmente nuevo. Últimamente, ningún disco encarna mejor este equilibrio que "Love This Giant" de David Byrne y St. Vincent.

El anuncio de este proyecto levantó dudas. Byrne, ex líder de los Talking Heads y genio indiscutido, ha tenido una carrera solista inestable, que va desde destellos impresionantes de creatividad a indulgencias innecesarias. Mientras tanto, St Vincent (a.k.a Annie Clark), la princesa del indie norteamericano, se encontraba en una racha imbatible de 3 discos brillantes al hilo desde su debut en el 2007, pero su tenso pop barroco no tiene mucha relación con la world music que privilegia Byrne estos días. Los miedos fueron disipados inmediatamente con el lanzamiento del álbum. "Love This Giant" es un álbum colaborativo en mayúscula, un trabajo de dos de los músicos más impredecibles y abiertos de todos los tiempos que no suena a ninguno de sus contemporáneos. Centrado en arreglos de bronces que elevan épicamente todas las canciones, LTG encuentra a Byrne y Clark repartiéndose las voces principales en 12 canciones imbatibles, que devuelve el sonido Big Band al rock, sonando como la conversación musical más inteligente que puedas escuchar este año. 

Puede ser inicialmente decepcionante que dos de los guitarristas más ingeniosos de la música popular cuelguen las seis cuerdas a favor de una orquesta, sin embargo para la tercera canción es evidente que la decisión no pudo ser más acertada. El funk tenso de "Who" encuentra a ambos artistas a modo de dueto mientras se divierten como nunca, y desde ahí el disco escala entre números casi de Broadway ("I Am an Ape", "Lazarus") e histéricos números de baile ("The One Who Broke Your Heart", "Weekend in the Dust"), en un álbum impredecible, sexy y elegante. Para cuando la orquesta cierra la dulce balada final, "Outside Of Space And Time", la conexión entre David Byrne y St. Vincent es evidente. Ambos son como nerviosos observadores del comportamiento de la humanidad como si estuviesen fuera de ella, y juzgándolos por el sonido de "Love This Giant", es muy probable que lo estén.  

[CANCIONES DEL 2012] Número 3.- "Demons" - Sleigh Bells

Durante su adolescencia Alexis Krauss formó parte de un grupo de teen pop, mientras que Derek Miller tocó guitarra en una banda de hardcore punk. Que dos personas así eventualmente formaran un dúo era algo improbable, pero "Demons" es el perfecto argumento de por qué eso tenía que pasar. Una de las canciones más colosales de este 2012 posee su mayor fuerza en el hecho de como encaja a la perfección el heavy metal con el pop más chicloso. Miller aporta con todo el ruido de sus seis cuerdas, con power chords llenos de distorsión y sobrecarga de feedback, junto a una batería electrónica ensordecedora, mientras que Krauss canta como una cheerleader incentivando un disturbio, con agresiva sensualidad. A pesar de la letra apocalíptica y el ruidoso trasfondo, es un tema extremadamente fácil de escuchar e imposible de no quedar enganchado, sobre todo porque tiene el mejor y más pegadizo coro de todo el año, además de un explosivo final con la adictiva voz de Krauss diciendo "Y no le responderás a nadie más que a mí!". Es fácil quedarse pegado con "Demons", porque hace bien todo lo que una canción pop debería hacer: subir las revoluciones al máximo de quien sea el que la escuche. Simple y directo, el descontrol nunca había sido tan atractivo.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 3.- "Visions" - Grimes

La revista Rolling Stone describió a Grimes como "una Kraftwerk de un solo integrante" y la verdad, hay pocas maneras de definirla mejor. Así como la banda alemana en la década de los 70', Claire Boucher logra mezclar y experimentar de manera inigualable con la música electrónica y elementos populares al mismo tiempo, creando composiciones bizarras, pero que extrañamanete son totalmente accesibles e hipnóticas. A pesar de que su estilo musical y sus 24 años podrían dar a entender que Boucher vive de fiesta, la verdad es que la mujer ha demostrado ser una trabajólica, con tres álbumes en sólo dos años. Además declaró que su método para crear "Visions" fue bastante atípico: Se encerró en una pieza durante nueve días, con poca luz, apenas comiendo, y sin ningún contacto con el mundo exterior. "Al noveno tu cerebro está en blanco y tu subconciente empieza a llenar los espacios. Sentía que canalizaba espíritus. La música parecía componerse sola, como un regalo de Dios" afirmó Boucher, dejando en claro su excentricidad y extremismo al minuto de crear música.

Pero todo lo anterior valió la pena. Porque "Visions" no es sólo el mejor LP de Grimes, también es un absoluto manifiesto respecto de su persona, y su manera de concebir la música y el arte. Porque Boucher controló todo lo relacionado a este álbum: Se autoprodujo, dibujó la portada y supervisó los videoclips. Y el resultado son canciones que si bien toman influencias de diversos géneros y artistas, suenan como algo completamente nuevo y único. Prima la inspiración dream-pop como, pero también hay toques de música industrial, que recuerdan bastante a Nine Inch Nails, de música japonesa y también música vocal, que se podría ligar a la época de "Medúlla" de Björk. Pero todo suena futurista y nuevo. El verdadero triunfo y consolidación del computador como un instrumento musical, a manos de una experta en este.

Boucher saca a relucir todo un arsenal sonoro digital, lleno de texturas y matices. Sintetizadores y teclados crean ambientes de electrónica psicodélica, pero también se enfoca en todo lo que signifique ritmo, desde los adictivos beats de percusión hasta la manera en que hace loops con su voz. La manera en que Grimes procesa su canto es el toque distintivo del álbum. La mujer entiende que este es un instrumento igual de importante que cualquier otro, y le pone especial atención a los sonidos nuevos que este pueda aportar. Desde la sobreposición de varias pistas vocales en la introducción con "Infinite Love Without Fulfillment", pasando por la dulzura de "Genesis", el cuasi R&B de "Circumambient" y la encantadora y sensual "Skin", la voz de Boucher siempre es protagonista para crear el tono del disco, además de dar una estética extremadamente femenina a pesar de ser un LP dominado por lo sintético. "Visions" resulta hipnótico, un verdadero embrujo al que hay que rendirse de principio a fin. Es una verdadera declaración artista de Claire Boucher, cuya creatividad simplemente no tiene límites.

[CANCIONES DEL 2012] Número 4.- "DoYaThing" - Gorillaz ft. James Murphy & André 3000

Damon Albarn siempre se ha caracterizado por elegir bien a los artistas que colaboran en las canciones de Gorillaz. Por eso, afirmar que "DoYatThing" es la mejor colaboración que ha hecho no es algo menor, pero es la verdad. El líder de Blur se juntó con dos de los artistas más influyentes de los últimos 15 años para realizar este tema para la marca Converse, y el resultado es brillante. No sólo es una excelente canción, si no que satisface tanto a los viudos de LCD Soundystem como a los de Outkast. La letra no tiene mucho significado, pero la técnica vocal con la que los tres artistas desempeñan sus papeles es extraordinaria. Albarn rapea los dos primeros versos en su clásica voz desganada, personificando a su alter ego digital 2D, mientras que James Murphy (cuyo toque se nota por todos lados en la instrumentación de la canción) canta el coro en falsetto. Pero quien se roba totalmente el show es André Benjamin, mejor conocido como André 3000. Después de un breve bridge, el rapero despacha un extenso verso a una velocidad y técnica impresionantes, como siempre se ha caracterizado. Su actuación realmente hace entender menos su decisión de alejarse de la música los últimos años. "DoYaThing" es un tema perfecto, como sólo podían hacerlo estos tres excelentes músicos.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 4.- "The Haunted Man" - Bat For Lashes

En la portada de su tercer álbum, Bat For Lashes, seudónimo de Natasha Kahn, sale completamente desnuda y sin maquillaje, con un hombre en iguales condiciones colgado de sus hombros, como una bufanda. La imagen, junto con el título del álbum, se relacionan directamente a lo que Kahn buscó construir con su nuevo LP: Composiciones íntimas, directas, con arreglos limpios y sencillos, llenas de una profunda carga emocional. En el caso de la artista, esta carga tiene que ver con su historia familiar, la cual revisó extensamente para componer este álbum, una reciente relación fallida que la sigue atormentando, y un bloqueo creativo que sufrió posteriormente. Pero "The Haunted Man" no es un álbum sobre sufrimiento. La cruz que acarrea Kahn abarca mucho más que eso: Alegría, nostalgia, sexo, fortaleza, debilidad, en resumen, todo lo que te hace ser humano. Es un trabajo extremadamente personal, pero también extremadamente empático.

"En nuestra cultura hay un énfasis en estar bajoneado, oscuro y jodido. Entonces cuando uno manifiesta alegría, es vergonzoso para las personas, o es mucho, o no es cool. Pero la verdad no tienes por qué este músico disfuncional" declaró Kahn al sitio Pitchfork durante este año. Por eso cuando durante el clímax de "Lillies", grita con júbilo "Gracias a Dios que estoy viva!", la mujer está haciendo una declaración bastante valiente para una estrella de la música. El resto de las canciones del álbum siguen la misma lógica de intensidad, aunque varíen las temáticas. En "All Your Gold" la cantante cuenta con ansiedad sus dudas respecto a entregarse a una nueva relación tras haber salido herida de la última, mientras que en la ritualista "Oh Yeah" canta con confianza sobre sexo sobre un beat de inspiraciones trip hop. Las piezas más emotivas y centrales del álbum son la dramática balada de piano "Laura", con la interpretación vocal más lograda de Kahn, y la canción que le da el nombre al disco, en donde una sección de coro masculino acompaña a la cantante mientras realiza un verdadero exorcismo musical, abordando directamente sus problemas sentimentales.

Priman los sintetizadores y teclados, más cuidados arreglos de cuerdas en la mayoría de las canciones, que de todas maneras tienen el toque característico de Bat For Lashes de mezclar sonidos acústicos y electrónicos. Pero todos los adornos sonoros trabajan de tal manera que la voz de Kahn sea el instrumento principal, siendo el álbum de la artista donde más se escucha su potencia vocal, que se traduce en la expresión pura de emoción. A pesar de ser las composiciones más simples de la artista, son por lejos las que contienen más pasión y sinceridad. La cantante asume la carga que lleva, la enfrenta, y sana sus heridas. Si logra romper o no el encanto al que hace referencia en el título del álbum importa poco. Porque Natasha Kahn encuentra algo más importante al cantar sobre su cruz: Paz.

[CANCIONES DEL 2012] Número 5.- "Genesis" - Grimes

Si hubiera una lista de las personas más cool sobre la tierra, Grimes definitivamente debería encabezarla. Y "Genesis" sería el perfecto argumento. El tema representa todo lo que hace única como artista a Claire Boucher: Una concepción inigualable de cómo mezclar música experimental con pop, haciendo algo totalmente nuevo. La línea de sintetizador que lleva el ritmo de la canción se repite durante casi toda la extensión del tema, pegándose en tu cabeza para ser tarareada. El beat de percusión ya lo querría cualquier músico de hip hop. ¿Y la letra? Es corta, sin sentido, y la mayoría es inentendible por la cantidad de efectos por los cuales Boucher procesa su voz. Pero esa es otra de las características singulares de esta artista. Lo importante de sus palabras no es el mensaje, si no el sonido, y como éstas aportan a crear texturas sonoras dentro de la canción. La voz de Boucher logra ser frágil y fuerte al mismo tiempo, sonar como dibujo animado pero sexy a la vez, fantasmal pero dulce. "Genesis" es la expresión máxima de la habilidad de esta mujer orquesta, quien logra hacer una atípica canción que pasa por varios géneros, desde el dance a la música industrial, e incluso una clara influencia animé. Para ponerle una guinda a la torta, el video de la canción está entre lo más freak que se haya podido ver en el año. Porque todo lo que involucre a Grimes resulta ser extremadamente original y único, aunque llegue a ser bizarro.