[CANCIONES DEL 2012] Número 2.- "Werewolf" - Fiona Apple

"Werewolf" no es la primera, ni será la última canción que Fiona Apple haga sobre una relación fallida. Cualquier hombre que piense en involucrarse románticamente con esta mujer debe aceptar que puede ser objeto de una futura canción de despecho. Pero lo que sí consigue la cantante con este tema es demostrar todo lo que ha madurado, como compositora y como persona. La rabia adolescente que la caracterizó en trabajos anteriores es reemplazada por una tristeza adulta y autocrítica. La frase inicial "Podría compararte a un hombre lobo por la manera en la que me diste por muerta, pero debo admitir que yo te entregué una luna llena" es una aceptación melancólica de que las cosas no funcionaron en parte por su propia inhabilidad de mantener a flote la relación. El tema es realmente íntimo, como si sólo uno estuviera escuchando el piano y la voz de Fiona. Cada palabra que pronuncia lo hace con una preciosa carga emocional, la cual aumenta hacia el último coro cuando de fondo explotan voces de niños jugando. Cómo una triste epifanía Apple canta "Todavía podemos apoyarnos mutuamente, lo único que tenemos que hacer es evitarnos" y concluye repitiendo "No hay nada de malo cuando una canción termina en un acorde menor". Un tema desgarrador, pero también hermoso. Si bien está lleno de todo el peso que implica terminar una relación, también es una catarsis que permite superar esta y seguir adelante. Una vez que se admiten las culpas, las heridas pueden empezar a sanar, y se puede pasar a otra cosa. Canción perfecta para un fin de año.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 2.- "Love This Giant" - David Byrne & St. Vincent

No se supone que los proyectos colaborativos o supergrupos funcionen en el mundo de la música. Juntar a dos o más compositores con fama previa para trabajar en material en conjunto generalmente concluye en resultados predecibles y repetidos: un artista se come al otro (Björk con Dirty Projectors); las partes involucradas intentan hacer predominar sus propias visiones pese a ser incompatibles (Lou Reed con Metallica), o su renombre hace que ninguno se atreva a corregir al otro, terminando en desastre (¿Alguien escuchó el tema de Paul McCartney con “Nirvana”?). Sin embargo, de vez en cuando, un álbum colaborativo puede encontrar el balance entre sus miembros, el equilibrio perfecto entre dos almas experimentales que sumando sus talentos  crean algo totalmente nuevo. Últimamente, ningún disco encarna mejor este equilibrio que "Love This Giant" de David Byrne y St. Vincent.

El anuncio de este proyecto levantó dudas. Byrne, ex líder de los Talking Heads y genio indiscutido, ha tenido una carrera solista inestable, que va desde destellos impresionantes de creatividad a indulgencias innecesarias. Mientras tanto, St Vincent (a.k.a Annie Clark), la princesa del indie norteamericano, se encontraba en una racha imbatible de 3 discos brillantes al hilo desde su debut en el 2007, pero su tenso pop barroco no tiene mucha relación con la world music que privilegia Byrne estos días. Los miedos fueron disipados inmediatamente con el lanzamiento del álbum. "Love This Giant" es un álbum colaborativo en mayúscula, un trabajo de dos de los músicos más impredecibles y abiertos de todos los tiempos que no suena a ninguno de sus contemporáneos. Centrado en arreglos de bronces que elevan épicamente todas las canciones, LTG encuentra a Byrne y Clark repartiéndose las voces principales en 12 canciones imbatibles, que devuelve el sonido Big Band al rock, sonando como la conversación musical más inteligente que puedas escuchar este año. 

Puede ser inicialmente decepcionante que dos de los guitarristas más ingeniosos de la música popular cuelguen las seis cuerdas a favor de una orquesta, sin embargo para la tercera canción es evidente que la decisión no pudo ser más acertada. El funk tenso de "Who" encuentra a ambos artistas a modo de dueto mientras se divierten como nunca, y desde ahí el disco escala entre números casi de Broadway ("I Am an Ape", "Lazarus") e histéricos números de baile ("The One Who Broke Your Heart", "Weekend in the Dust"), en un álbum impredecible, sexy y elegante. Para cuando la orquesta cierra la dulce balada final, "Outside Of Space And Time", la conexión entre David Byrne y St. Vincent es evidente. Ambos son como nerviosos observadores del comportamiento de la humanidad como si estuviesen fuera de ella, y juzgándolos por el sonido de "Love This Giant", es muy probable que lo estén.  

[CANCIONES DEL 2012] Número 3.- "Demons" - Sleigh Bells

Durante su adolescencia Alexis Krauss formó parte de un grupo de teen pop, mientras que Derek Miller tocó guitarra en una banda de hardcore punk. Que dos personas así eventualmente formaran un dúo era algo improbable, pero "Demons" es el perfecto argumento de por qué eso tenía que pasar. Una de las canciones más colosales de este 2012 posee su mayor fuerza en el hecho de como encaja a la perfección el heavy metal con el pop más chicloso. Miller aporta con todo el ruido de sus seis cuerdas, con power chords llenos de distorsión y sobrecarga de feedback, junto a una batería electrónica ensordecedora, mientras que Krauss canta como una cheerleader incentivando un disturbio, con agresiva sensualidad. A pesar de la letra apocalíptica y el ruidoso trasfondo, es un tema extremadamente fácil de escuchar e imposible de no quedar enganchado, sobre todo porque tiene el mejor y más pegadizo coro de todo el año, además de un explosivo final con la adictiva voz de Krauss diciendo "Y no le responderás a nadie más que a mí!". Es fácil quedarse pegado con "Demons", porque hace bien todo lo que una canción pop debería hacer: subir las revoluciones al máximo de quien sea el que la escuche. Simple y directo, el descontrol nunca había sido tan atractivo.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 3.- "Visions" - Grimes

La revista Rolling Stone describió a Grimes como "una Kraftwerk de un solo integrante" y la verdad, hay pocas maneras de definirla mejor. Así como la banda alemana en la década de los 70', Claire Boucher logra mezclar y experimentar de manera inigualable con la música electrónica y elementos populares al mismo tiempo, creando composiciones bizarras, pero que extrañamanete son totalmente accesibles e hipnóticas. A pesar de que su estilo musical y sus 24 años podrían dar a entender que Boucher vive de fiesta, la verdad es que la mujer ha demostrado ser una trabajólica, con tres álbumes en sólo dos años. Además declaró que su método para crear "Visions" fue bastante atípico: Se encerró en una pieza durante nueve días, con poca luz, apenas comiendo, y sin ningún contacto con el mundo exterior. "Al noveno tu cerebro está en blanco y tu subconciente empieza a llenar los espacios. Sentía que canalizaba espíritus. La música parecía componerse sola, como un regalo de Dios" afirmó Boucher, dejando en claro su excentricidad y extremismo al minuto de crear música.

Pero todo lo anterior valió la pena. Porque "Visions" no es sólo el mejor LP de Grimes, también es un absoluto manifiesto respecto de su persona, y su manera de concebir la música y el arte. Porque Boucher controló todo lo relacionado a este álbum: Se autoprodujo, dibujó la portada y supervisó los videoclips. Y el resultado son canciones que si bien toman influencias de diversos géneros y artistas, suenan como algo completamente nuevo y único. Prima la inspiración dream-pop como, pero también hay toques de música industrial, que recuerdan bastante a Nine Inch Nails, de música japonesa y también música vocal, que se podría ligar a la época de "Medúlla" de Björk. Pero todo suena futurista y nuevo. El verdadero triunfo y consolidación del computador como un instrumento musical, a manos de una experta en este.

Boucher saca a relucir todo un arsenal sonoro digital, lleno de texturas y matices. Sintetizadores y teclados crean ambientes de electrónica psicodélica, pero también se enfoca en todo lo que signifique ritmo, desde los adictivos beats de percusión hasta la manera en que hace loops con su voz. La manera en que Grimes procesa su canto es el toque distintivo del álbum. La mujer entiende que este es un instrumento igual de importante que cualquier otro, y le pone especial atención a los sonidos nuevos que este pueda aportar. Desde la sobreposición de varias pistas vocales en la introducción con "Infinite Love Without Fulfillment", pasando por la dulzura de "Genesis", el cuasi R&B de "Circumambient" y la encantadora y sensual "Skin", la voz de Boucher siempre es protagonista para crear el tono del disco, además de dar una estética extremadamente femenina a pesar de ser un LP dominado por lo sintético. "Visions" resulta hipnótico, un verdadero embrujo al que hay que rendirse de principio a fin. Es una verdadera declaración artista de Claire Boucher, cuya creatividad simplemente no tiene límites.

[CANCIONES DEL 2012] Número 4.- "DoYaThing" - Gorillaz ft. James Murphy & André 3000

Damon Albarn siempre se ha caracterizado por elegir bien a los artistas que colaboran en las canciones de Gorillaz. Por eso, afirmar que "DoYatThing" es la mejor colaboración que ha hecho no es algo menor, pero es la verdad. El líder de Blur se juntó con dos de los artistas más influyentes de los últimos 15 años para realizar este tema para la marca Converse, y el resultado es brillante. No sólo es una excelente canción, si no que satisface tanto a los viudos de LCD Soundystem como a los de Outkast. La letra no tiene mucho significado, pero la técnica vocal con la que los tres artistas desempeñan sus papeles es extraordinaria. Albarn rapea los dos primeros versos en su clásica voz desganada, personificando a su alter ego digital 2D, mientras que James Murphy (cuyo toque se nota por todos lados en la instrumentación de la canción) canta el coro en falsetto. Pero quien se roba totalmente el show es André Benjamin, mejor conocido como André 3000. Después de un breve bridge, el rapero despacha un extenso verso a una velocidad y técnica impresionantes, como siempre se ha caracterizado. Su actuación realmente hace entender menos su decisión de alejarse de la música los últimos años. "DoYaThing" es un tema perfecto, como sólo podían hacerlo estos tres excelentes músicos.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 4.- "The Haunted Man" - Bat For Lashes

En la portada de su tercer álbum, Bat For Lashes, seudónimo de Natasha Kahn, sale completamente desnuda y sin maquillaje, con un hombre en iguales condiciones colgado de sus hombros, como una bufanda. La imagen, junto con el título del álbum, se relacionan directamente a lo que Kahn buscó construir con su nuevo LP: Composiciones íntimas, directas, con arreglos limpios y sencillos, llenas de una profunda carga emocional. En el caso de la artista, esta carga tiene que ver con su historia familiar, la cual revisó extensamente para componer este álbum, una reciente relación fallida que la sigue atormentando, y un bloqueo creativo que sufrió posteriormente. Pero "The Haunted Man" no es un álbum sobre sufrimiento. La cruz que acarrea Kahn abarca mucho más que eso: Alegría, nostalgia, sexo, fortaleza, debilidad, en resumen, todo lo que te hace ser humano. Es un trabajo extremadamente personal, pero también extremadamente empático.

"En nuestra cultura hay un énfasis en estar bajoneado, oscuro y jodido. Entonces cuando uno manifiesta alegría, es vergonzoso para las personas, o es mucho, o no es cool. Pero la verdad no tienes por qué este músico disfuncional" declaró Kahn al sitio Pitchfork durante este año. Por eso cuando durante el clímax de "Lillies", grita con júbilo "Gracias a Dios que estoy viva!", la mujer está haciendo una declaración bastante valiente para una estrella de la música. El resto de las canciones del álbum siguen la misma lógica de intensidad, aunque varíen las temáticas. En "All Your Gold" la cantante cuenta con ansiedad sus dudas respecto a entregarse a una nueva relación tras haber salido herida de la última, mientras que en la ritualista "Oh Yeah" canta con confianza sobre sexo sobre un beat de inspiraciones trip hop. Las piezas más emotivas y centrales del álbum son la dramática balada de piano "Laura", con la interpretación vocal más lograda de Kahn, y la canción que le da el nombre al disco, en donde una sección de coro masculino acompaña a la cantante mientras realiza un verdadero exorcismo musical, abordando directamente sus problemas sentimentales.

Priman los sintetizadores y teclados, más cuidados arreglos de cuerdas en la mayoría de las canciones, que de todas maneras tienen el toque característico de Bat For Lashes de mezclar sonidos acústicos y electrónicos. Pero todos los adornos sonoros trabajan de tal manera que la voz de Kahn sea el instrumento principal, siendo el álbum de la artista donde más se escucha su potencia vocal, que se traduce en la expresión pura de emoción. A pesar de ser las composiciones más simples de la artista, son por lejos las que contienen más pasión y sinceridad. La cantante asume la carga que lleva, la enfrenta, y sana sus heridas. Si logra romper o no el encanto al que hace referencia en el título del álbum importa poco. Porque Natasha Kahn encuentra algo más importante al cantar sobre su cruz: Paz.

[CANCIONES DEL 2012] Número 5.- "Genesis" - Grimes

Si hubiera una lista de las personas más cool sobre la tierra, Grimes definitivamente debería encabezarla. Y "Genesis" sería el perfecto argumento. El tema representa todo lo que hace única como artista a Claire Boucher: Una concepción inigualable de cómo mezclar música experimental con pop, haciendo algo totalmente nuevo. La línea de sintetizador que lleva el ritmo de la canción se repite durante casi toda la extensión del tema, pegándose en tu cabeza para ser tarareada. El beat de percusión ya lo querría cualquier músico de hip hop. ¿Y la letra? Es corta, sin sentido, y la mayoría es inentendible por la cantidad de efectos por los cuales Boucher procesa su voz. Pero esa es otra de las características singulares de esta artista. Lo importante de sus palabras no es el mensaje, si no el sonido, y como éstas aportan a crear texturas sonoras dentro de la canción. La voz de Boucher logra ser frágil y fuerte al mismo tiempo, sonar como dibujo animado pero sexy a la vez, fantasmal pero dulce. "Genesis" es la expresión máxima de la habilidad de esta mujer orquesta, quien logra hacer una atípica canción que pasa por varios géneros, desde el dance a la música industrial, e incluso una clara influencia animé. Para ponerle una guinda a la torta, el video de la canción está entre lo más freak que se haya podido ver en el año. Porque todo lo que involucre a Grimes resulta ser extremadamente original y único, aunque llegue a ser bizarro.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 5.- "Celebration Rock" - Japandroids

Dos personas, ocho canciones y 35 minutos. Eso es lo que basta para constituir uno de los álbumes más generacionales de los últimos años. El segundo trabajo de los canadienses de Japandroids le hace honor a su nombre, y resulta ser un conjunto de temas extremadamente épicos llenos de emotividad y proclamas de principios. El mensaje de "Celebration Rock" es claro: Una última gran fiesta de un par de veinteañeros que se acercan a las tres décadas, y se aferran lo más que pueden a su cada vez más inexistente juventud. Pero si deben despedirse de esta, lo harán celebrando con música estridente, ruidosa, llena de energía, con espíritu de adolescente hiperquinético. El vocalista y guitarrista Brian King despacha cada palabra con un sentido de urgencia y nostalgia, con la voz al límite de quebrarse, mientras David Prowse lo acompaña golpeando la batería con rabia y fuerza, descontrolado, siendo la mejor performance de un baterista en un álbum este año.

"Seguimos iluminados esta noche y seguimos bebiendo, no tenemos nada por qué vivir. Bueno, por supuesto que sí lo tenemos, pero mientras no se haga realidad, seguimos bebiendo" canta King en la obertura con "The Night of Wine and Roses", desnundando el espíritu de este álbum, mientras que en la enorme "Evil's Sway" declara "Lo salvaje es nuestro tesoro, así que ríndete ante mí y ante la noche" sonando tanto como una protesta como una invitación. Las letras de King y Prowse están hechas de manera extremadamente inteligente, con el objetivo de ser lo más coreables posibles para transformarse en verdaderos himnos juveniles, por lo que están llenas de "Oh Yeah!" y "All Right!", y el ritmo y la estridente guitarra invitan a saltar y bailar descontroladamente.

Tras seis excelentes temas, el álbum se guarda lo mejor para el final. "The House That Heaven Built" es un clásico instantáneo, que posee la letra más emotiva de todo el LP, con King cantando sobre un amor perdido, que puede ser tanto literal como un simbolismo a esta misma idea de juventud desvanecida. "Es una vida sin vida cuando no hay una dirección fija. Pero ya no eres mía para morir por ti, así que deberé vivir" canta el músico en este tema que resulta realmente desgarrador, pero también como una excelente catarsis para las heridas emocionales. Todo se cierra con "Continuous Thunder", canción que resume todo el espíritu de Japandroids en un par de versos, una verdadero manifiesto de este dúo. Es imposible no sentirse melancólico frente a la idea de crecer tras escuchar "Celebration Rock". Pero Japandroids nos recuerda que siempre le podemos decir al futuro que se joda un rato. Hoy celebremos lo que todavía tenemos.

[CANCIONES DEL 2012] Número 6.- "New God Flow" - Kanye West ft. Pusha-T & Ghostface Killah

"Yo creo en que hay un Dios por sobre mí, pero yo soy el Dios de todo lo demás" declara resoplando con decisión Pusha-T al comienzo de esta canción. Esa egocéntrica frase describe el espíritu de una de las mejores canciones del año: La autoprocalamción como dioses de tres de los hombres de mayor jerarquía en el mundo del Hip-Hop. Un festival narcisista, pero que resulta irresistible al oído, sobre todo por la convicción con la que entregan sus rimas estos artistas. La lúgubre línea de piano, más el sampleo de "Mighty Healthy" de Ghostface Killah en el gancho, y la batería de "Synthetic Substitution" de Melvin Bliss (nuevamente una producción impecable de Kanye West) dan lugar a un espectáculo de habilidad vocal, con la furia del mismo T cuando exclama despectivamente "Qué es un circo sin ustedes los payasos?" y el magistral cierre de Ghostface, con letras gangsta e hipersexualizadas. Pero, una vez más, el foco se lo lleva el señor West. Su verso es vibrante y espectacular, un verdadero "Fuck the Haters" a todos sus críticos. "Pasé del más odiado a un campeón del flow de dios, creo que es un sentimiento que sólo yo y Lebron sabemos" procalama retratando los últimos años de su carrera. ¿Podrá molestar tanto egocentrismo? Tal vez, pero cuando Kanye dice que es un dios, algo de razón se le encuentra.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 6.- "Traphouse Rock" - Kids These Days

Este trabajo fue probablemente la mayor sorpresa del año. Una banda de hip hop independiente de Chicago, conformada por siete miembros, todos entre 18 y 19 años, lanzó su álbum debut a comienzos de noviembre, regalándolo a través de su página web. Y el LP resultó ser de las cosas más excitantes y frescas que se pudieron escuchar los últimos meses. Es difícil definir a "Traphouse Rock" dentro de un sólo género, ya que Kids These Days se encarga de tomar inspiraciones de las más variadas fuentes, a través de una original manera en la utilización de samples: Los fragmentos de otras canciones no son cortados y pegados, si no que son interpretados en vivo por los propios miembros del grupo y  sus instrumentos. Así pasan referencias a Nirvana, los Pixies, Kanye West, Arcade Fire, 50 Cent y James Brown. Las canciones cambian constantemente de estilo haciendo gala de estas múltiples inspiraciones: "(Intro)Mental" es una pieza de piano de jazz, "GHETTO." comienza cómo un frenético funk para pasar a un caótico rock al final, "Talk 2 You" tiene una instrumentación de soul tradicional, mientras que "Dont' Blame Me" tiene toques de rock experimental. Toda esta juguera musical es manejada con envidiable habilidad de todos los miembros de la banda, quienes poseen en su mayoría formación académica en improvisación de Jazz, detalle que se nota sobre todo en los bronces, quienes llevan el peso de la mayoría de los arreglos.

El grupo consta con tres vocalistas, cada uno le entrega una cualidad especial a las canciones: La tecladista Macie Stewart tiene una voz dulce y dramática, que se encarga de los ganchos pop, el guitarrista Liam Cunningham tiene una raspada y profunda voz de blues, mientras que el MC Vic Mensa se encarga de rapear, siendo la principal voz de los tres. Su momento de brillar solo es en la excelente "Don't Harsh My Mellow", tema sobre las protestas estudiantiles en Chicago, y en el verdadero himno marihuanero que es "Bud Billiken", al cuál además Cunningham le aporta uno de los mejores solos del año. Pero donde mejor colaboran los tres es en la pieza maestra de este álbum, la potente "Doo-Wah", donde se ve lo mejor de cada cantante. "Traphouse Rock" es un brillante álbum debut, que pone a Kids These Days como una de las bandas más prometedoras de la escena de Chicago. Siete jóvenes a los que habrá que seguir observando con muchísima atención.

[CANCIONES DEL 2012] Número 7.- "Laura" - Bat For Lashes

Natasha Kahn quería crear un álbum más minimalista en el sentido de la instrumentación para su tercer LP, lo cual explica el espíritu de simpleza que impera en "The Haunted Man". Pero de todas las composiciones, ninguna es más simple (ni potente) que "Laura". Drammáticos acordes de piano y un cello son las únicas armas de Kahn en esta melancólica balada. ¿Quién es Laura? No queda claro. Puede ser una amiga, un familiar, o la misma Bat For Lashes, cantándose a sí misma. Pero sea quien sea, esta mujer no lo está pasando bien. "Dices que todos te dejaron atrás. Tu corazón se quebró cuando la fiesta murió" canta tiernamente Kahn, con un aire de nostalgia. Laura vive en un mundo donde no puede expresar sus sentimientos ni su tristeza, y debe pretender que está bien: "Cuando tus tacones son tan altos y tu sonrisa es tan amplia, no puedes llorar" realmente suena a Kahn cantando sobre su propia reacción a la fama. El coro es prácticamente un llanto visceral, con Kahn vociferando "Oh Laura, eres más que una superestrella!" cómo alguien que realmente está intentando convencer a otra persona que se levante de su dolor, pero esta no quiere escuchar. Su voz llega directo al alma, si es que existe tal cosa. Sea quien sea el objeto de esta historia, el tema es simplemente hermoso. Una pequeña gran canción.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 7.- "R.A.P. Music" - Killer Mike

Tuvieron que pasar 12 años desde que Outkast lo descubrió, para que este rapero de Atlanta pudiera decir que consiguió crear su obra maestra, su declaración fundamental como artista. Y no tomó el camino fácil: Nada en "R.A.P. Music" (sigla para Rebellious African People) se parece al hip-hop contemporáneo. Es un álbum mucho más oscuro, violento y sucio al sonido del resto de sus colegas. Fundamental para esto es la decisión de que el productor EL-P se encargara de la producción de todo el álbum, llenándolo de beats industriales y sonidos caóticos, siendo el genio oculto de esta obra. Las letras de Killer Mike son extremadamente agresivas, enfocándose principalmente en los relatos callejeros, llenos de muerte, drogas, armas y strippers, y en ataques políticos, a quienes acusa de que las cosas estén así. Su música es tan potente, que una vez que aprieta el acelerador en la primera canción, no te suelta hasta que el álbum haya terminado. En la obertura "Big Beast" rapea junto a una serie de invitados sobre el mundo Gangsta de Atlanta, y lo peligroso de la ciudad, en una verdadera versión hip-hop de "Welcome to the Jungle". No hay espacio para una reflexión o para juzgar este mundo en la cabeza de Mike. El sólo presenta su realidad con brutal honestidad, y en ningún minuto se lava las manos, ya que el sabe que el mismo forma parte de ese mundo. No hay pena ni melancolía, sólo furia.

El ingenio de Mike es demostrado en su capacidad narrativa para la humorística "Jojo's Chillin'", inspirada totalmente en el Wu-Tang Clan. Pero los momentos líricamente más impresionantes se dan en los tracks más políticos del álbum: "Reagan", un agresivo himno anti-política, y "Don't Die", donde el rapero relata una historia sobre policías corruptos acosando a un hombre negro, quien finalmente mata a uno. Cuando el álbum casi termina, Mike logra tener su momento de reflexión entre tanto caos: "Anywhere But Here" cuenta sobre su miedo frente a el decaimiento de su ciudad natal Atlanta, así como también Nueva York, y como se han transformado en un infierno para la gente negra, mientras que "William Burke Sherwood" es un sentido homenaje a su fallecido abuelo. Pero el artista retoma su actitud para el último tema, el que le da el nombre al disco, haciendo una épica declaración de principios, transformándose prácticamente en un predicador afro-nacionalista. Killer Mike ahora puede decir con todas sus letras, que no sólo consiguió una obra maestra que le hace honor a sus habilidades, si no que además creó un verdadero clásico del género.

[CANCIONES DEL 2012] Número 8.- "Speak In Rounds" - Grizzly Bear

A veces no son necesarios instrumentos eléctricos para hacer una canción de rock. En "Speak In Rounds" los muchachos de Grizzly Bear se encargan de crear uno de los momentos más pesados de "Shields", pero sin alejarse del folk psicodélico que los caracteriza. Ed Droste comienza cantando versos suavemente, pero con cada palabra aumenta su nivel de resentimiento, mientras que Daniel Rossen va jugando con la intensidad de su frenética guitarra acústica. La guitarra eléctrica queda relevada a dar texturas. La letra de Droste es claramente de despecho, pero no hacia la otra persona en la relación, si no hacia sí mismo y la lástima que uno se puede tener tras una ruptura: "Retrocede y por alguna vez aprende a estar solo" canta rabioso en el coro. El clímax llega con una explosiva sección de vientos, con instrumentos de bronce y flautas, y con Rossen golpeando cada vez más fuerte sus seis cuerdas. El resultado es una perfecta canción de rock, hecha de la manera más atípica.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 8.- "Lonerism" - Tame Impala

Kevin Parker no necesitó de mucho tiempo para demostar que es un genio. El segundo LP de su proyecto Tame Impala lo consolida como uno de los músicos más brillantes de su generación. Todo lo que rodea a "Lonerism" está hecho con extremo cuidado, dedicación, e inteligencia. El perfecto ejemplo es su carátula: Una foto de un parque francés lleno de gente, que es separada del espectador por un enrejado metálico. Esa simple imagen dice mucho de lo que uno encontrará al escuchar el álbum: Un retrato de las ansiedades sociales de Parker y reflexiones sobre la soledad. "('Lonerism') es como un niño creciendo que descubre que no tiene lugar en el mundo" declaró Parker sobre la temática del disco, la cual expresa con una maravillosa melancolía: "Be Above It" es como un mantra de una persona repitiéndose a sí misma que debe calmarse y ser fuerte frente a las adversidades que se le presenta, como una oración que Parker rezaría antes de subirse al escenario, mientras que "Why Won't They Talk To Me?" es un esquizofrénico lamento frente a la poca capacidad de encajar, con el músico cantando "Estoy tan solo, no hay nada para mí, creo que me iré a casa, trataré de estar cuerdo, trataré de pretender".

La psicodelia que nos presenta Tame Impala está llena de detalles y texturas generadas entre el juego de los sintetizadores retro y las guitarras con efectos, que recuerdan a los primeros días de Pink Floyd y sobre todo a la época más experimental de Los Beatles (la voz de Parker es prácticamente idéntica a la de John Lennon). Canciones como "Mind Mischief" y el sencillo "Feel Like We Only Go Backwards" están claramente inspiradas en el cuarteto de Liverpool, en especial en las armonías vocales y en la mezcla entre pop y sonidos psicodélicos. "Lonerism" es un álbum extremadamente inteligente, pero que no deja que su superioridad intelectual le quite emoción. La perfecta ejecución musical acompaña a la perfección las honestas letras de Parker, que crean una narración hipnótica de principio a fin. No es un disco de canciones individuales, si no que es un todo, una obra que no debe pausarse después de apretar el botón de reproducir. Como debería ser la buena música.

[CANCIONES DEL 2012] Número 9.- "Mama Told Me" - Big Boi ft. Kelly Rowland

El camino de "Mama Told Me" hacia el oído público no estuvo excento de complicaciones. Se suponía que el primer single del nuevo álbum de Big Boi tendría como colaboradores a la banda sueca Little Dragon, quienes ayudaron a componer el tema. Pero tras líos con la discográfica (querían una cara más conocida para el sencillo) finalmente quien aparece cantando en el track es Kelly Rowland, ex Destiny's Child. Ambas versiones finalmente salieron a la luz, una en el álbum y la otra circula por internet. Y que la canción sea igual de excelente con cualquiera de las artistas invitadas, sólo puede hablar bien de Antwan André Patton. "Mama Told Me" es la pieza central de "Vicious Lies and Dangerous Rumors". Big Boi se sale de su zona de conformidad y deja de lado la música de clubes nocturnos para jugársela por experimentar con géneros como el Electro Pop, mezclándolo con siempre presente obsesión por el funk, esta vez a través de una línea de bajo espectacular que pone a bailar a cualquiera. Sus rimas son ingeniosas y técnicamente impecables, mientras Rowland le añade un pegajoso estribillo, siendo una oda a los consejos de la madre de Patton. Big Boi demuestra que puede darse el lujo de colaborar con cualquiera, y el resultado final siempre será excelente, mientras sea él quien comande los esfuerzos.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 9.- "Reign of Terror" - Sleigh Bells

Tras su sorprendente álbum debut del 2010, la duda sobre Sleigh Bells era sí lograrían tener otro truco bajo la manga, sin que sonaran repetitivos. Dos años más tarde nos despejaron los reparos: "Reign of Terror" es un LP masivo en todo aspecto, que demuestran que la ambición de este dúo da para poder reinventarse sin necesariamente cambiar de género. La base de este trabajo es la misma de su primer disco: Noise pop, con una voz que puede pasar rápidamente de un sonido angelical a amenazadores gritos, y guitarras pesadas llenas de inspiración Glam metal. Pero en vez de la experimentación de "Treats", este álbum posee un conjunto de canciones mucho más estructuradas y directas, fundamentalmente gracias a la influencia de la vocalista Alexis Krauss, quien orientó al multi instrumentista Derek Miller a composiciones más poperas y pegajosas. La marca de Krauss se hace obvia en temas como "Crush", que parece una porra de Cheerleader, el adictivo single "Comeback Kid" y en la monumental "Demons".

A pesar de el engfoque pop de las composiciones, no hay que subestimar la capacidad de Sleigh Bells para rockear de la manera más pesada posible. La guitarra de Miller suena siempre distorsionada al máximo, y se complementa con texturas sobresaturadas y agudas, que hacen de este álbum un verdadero cañón sonoro que busca inducir la sordera. También es melódica y líricamente más oscuro que su álbum debut. "End Of The Line" y "Leader Of The Pack" hacen referencia a la muerte del padre de Miller el 2009, mientras que "Born to Lose" está llena de alusiones al suicidio. El mismo guitarrista afirmaría que "Reign of Terror" surgió de una necesidad de catarsis tras un mal momento en su vida. Pero Sleigh Bells supo expresar este sentimiento sin perder la actitud, o la noción de que la música debe ser entretenida. Sea festejando o lamentándose, Miller y Krauss saben colaborar a la perfección para hacer un excelente conjunto de canciones.

[CANCIONES DEL 2012] Número 10.- "Continuous Thunder" - Japandroids

El último tema de "Celebration Rock" cambia la dinámica del resto del álbum. El ritmo es lento en contraste al frenetismo punk de las otras canciones, y no posee muchas letras, si no fundamentalmente dos versos que se repiten continuamente. Pero eso no significa que sea menos ruidosa, o le falte esa explosiva emoción que hace tan especial el segundo LP de Japandroids. La marchante batería de David Prowse acompañan a la distorsionada guitarra de Brian King, quien canta con pasión sobre la aceptación en las relaciones amorosas.. "Si yo tuviera todas las respuestas y tú el cuerpo que siempre quisiste, nos seguiríamos amando con un fuego legendario?" dice King, declarando que la persona perfecta para uno lo es con sus fallas y defectos. Con un coro diseñado para ser cantado por arenas repletas, como un verdadero himno juvenil, este tema demuestra la belleza de lo simple. No es necesario muchas vueltas para transmitir un mensaje profundo. Sólo dos personas, un par de acordes y una letra honesta. Uno de los cierres de álbum más perfectos de los últimos años.

[ALBUMES DEL 2012] Número 10.- "Sun" - Cat Power

Chan Marshall había adelantado que se trataba de un disco de quiebre amoroso,  una respuesta al término de su relación con el actor Giovanni Ribsi. Por esto mismo fue una sorpresa que "Sun", el noveno álbum de Cat Power y el primero en seis años en contar con canciones originales, sea el trabajo más vigoroso y potente que la cantautora estadounidense haya editado en toda su carrera. Alejada del letárgico soul de sus últimas entregas y haciéndose cargo de la mayoría de los instrumentos, Marshall suena totalmente revitalizada, experimentando con sintetizadores y bases de manera impredeciblemente exitosa, encontrando a la artista particularmente animada incluso en su desolación.

"Cherokee", la canción con la que Marshall nos da la bienvenida a esta nueva etapa de su carrera, comienza como una desordenada balada amorosa que explota en un coro que arrastra al tema inesperadamente a la pista de baile, con bases electrónicas que se hacen espacio entre un mar de voces a coro. Desde ahí son otros 10 temas que no suenan a nada de lo que Cat Power haya mostrado antes pero sigue siendo inconfundiblemente ella, desde el Dance-Punk de "Ruin", pasando por la encantadora "Manhattan" hasta el estampido feroz de "Peace And Love". “Depende de ti ser un superhéroe” entona Marshall (junto a Iggy Pop en un conmovedor cameo) en "Nothing But Time", la balada de 10 minutos que llega cerca del final del disco, y pocas veces ha sonado más segura de lo que dice. Habrán tenido que pasar 6 años y un corazón roto para que Cat Power recuperara su confianza artística, pero una vez más demuestra que del dolor salen cosas hermosas.

[CANCIONES DEL 2012] Número 11.- "Plague" - Crystal Castles

"Estoy a un paso de transformarme en una vigilante, para proteger a la gente que quiero (...) he perdido la fe en la humanidad" había declarado Alice Glass sobre el tono que tendría el tercer álbum de Crystal Castles. Y en la primera canción, dejó todo ese sentimiento salir, con un furioso tema sobre lo oprimido que se encuentra el mundo. La voz de Glass parte suave cantando sombríamente "Te necesito pura y limpia" para luego gritar "Células vírgenes para penetrar, demasiado prematuras para ser permeadas". La cantante se pone en el lugar de una fuerza que controla todo, que destruye y profana por placer y grita victoriosa y maliciosamente "Yo soy la plaga!". Sus letras son prácticamente inaudibles frente al ruidoso fondo que crea Ethan Kath. Escuchando "Plague" uno sólo puede imaginarse un campo distópico lleno de cadáveres. Una canción angustiante y sombría, dentro de un álbum que ya lo es bastante, pero que también nos recuerda que la música mejor lograda es la que te hace sentir. Y es imposible no estremecerse después de escuchar esto.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 11.- "Life is Good" - Nas

Tras una carrera de 20 años en el mundo del hip hop, con su álbum número once bajo el brazo, Nas trata una temática que rara vez se encuentra tan fuerte en otros artistas del género: La madurez. Marcado por su mediático divorcio con la cantante Kelis el 2009, Nasir Jones entrega letras llenas de nostalgia, que no necesariamente aluden directamente al tema, pero sí instauran un aire reflexivo en las rimas del rapero. "No Introduction" y "Loco Motive" entregan versos autobiográficos del artista, extrañando su juventud en los 90' y narrando los errores que cometió en el camino a la fama. Las calles de Nueva York son el escenario de "A Queens Story" y "Accident Murderers", siendo en esta última donde Nas critica con fuerza la glorificación de las armas en el mundo del hip hop. En "Daughters", probablemente la canción mejor lograda del álbum, el rapero cuenta sus ansiedades con el hecho de ser padre de una adolescente de 18 años, y el miedo a que su sexualidad floreciente la lleve a malos hombres, aceptando que él mismo no fue el mejor modelo de padre. El conjunto de temas demuestran una capacidad lírica admirable por parte de Jones. En cada canción las letras son extensas y cuidadas. La producción del álbum busca acentuar el sentido de nostalgia que Nas buscaba darle a este trabajo, basados en el Soul y el R&B de los comienzos del género, lleno de poderosas orquestaciones (un perfecto ejemplo son los monumentales violines de "World's An Addiction"). Un álbum que repasa todo lo que es vivir dos décadas en el mundo del estrellato, con todo los altos y bajos que eso implica. Pero como Nas explica, la vida, con todas sus cosas, ha sido buena con él. A todos sus errores, este LP es su redención.

[CANCIONES DEL 2012] Número 12.- "Doo-Wah" - Kids These Days

"Doo-Wah" representa una de las principales fortalezas de Kids These Days, banda de indie hip hop de Chicago que sorprendió a todos con su excelente debut este año: Su capacidad para samplear canciones conocidas y hacerlas sonar totalmente originales. En este caso, el grupo toma la melodía principal de "Where Is My Mind" de los Pixies, cambiando las guitarras por el suave teclado de Macie Stewart, siendo ella misma quien canta de manera dulce y sentida el primer verso y coro. Luego es el turno de lucirse del MC Vic Mensa, quien empieza a narrar una historia de un joven soberbio que desprecia a su novia y termina solo. "Ahora solo se tiene a sí mismo, y las drogas parecen no ayudar más" rapea Mensa con una aterradora honestidad, para llegar al coro "Pensé que sería famoso, pero aprendí mi lección". Todo lo termina una reflexión del guitarrista Liam Cunningham quien canta con una voz bluesera demasiado madura para su corta edad. El último coro es explosivo, con Mensa y Stewart cantando al mismo tiempo, mientras trompetas le dan un aire épico al final de la canción. Un tema extremadamente maduro y ambicioso para un grupo de jóvenes de tan sólo 20 años, que tienen una prometedora carrera por delante.

[ÁLBUMES DEL 2012] Número 12.- "Synthetica" - Metric

El quinto trabajo de estudio de Metric es probablemente el álbum más serio que hayan creado. "Synthetica" es un LP conceptual donde abundan las temáticas de la decadencia social, la falsedad de la vida y la pérdida de identidad. Aún abrazando la fórmula pop que les otorgó el reconocimiento del mainstream el 2009 con "Fantasies", la banda canadiense también entrega el conjunto de canciones más entretenidas que hayan creado en su existencia. Todos los temas poseen un encanto irresistible, y se quedan sonando en tu cabeza por días. Los sintetizadores suenan fuerte y crean un ambiente melancólico en la obertura con "Artificial Nocturne" y en "Dreams So Real", mientras que la guitarra es protagonista en temas como "Youth Without Youth" y "Synthetica", mientras Emily Haines canta con una oscura asertividad sobre el robo de la inocencia por una sociedad represora y sobre la homogenización de la vida. Pero Haines también se da tiempo para presentarse vulnerable en "Breathing Underwater" y la hermosa "Clone". Incluso hay espacio para un cameo del legendario Lou Reed en "The Wanderlust". El trabajo de Metric es 100% actitud y extremadamente adictivo. Para ser considerado seriamente como lo mejor del grupo.

[CANCIONES DEL 2012] Número 13.- "Nothin' But Time" - Cat Power

“El mundo está recién empezando”, serena Chan Marshall en Nothing But Time, la extensa balada que actúa como penúltima canción de Sun, y pocas veces ha sonado más segura de sí misma recitando una frase. Una especie de secuela espiritual a "Color And The Kids" (de su obra maestra "Moon Pix"), es de esas canciones que no se toman su tiempo para crecer, simplemente te agarra y no te suelta hasta 10 minutos después. Un piano golpeado y una batería histriónica, mientras que Marshall utiliza un registro particularmente animado para interpretar una agridulce melodía casi ingenua en su optimismo, elevan la canción a niveles casi teatrales para culminar en un sorprendente y melancólico dueto junto a Iggy Pop en donde ambos cantantes prometen “No tienes nada más que tiempo/Y no tienen nada en contra tuya” como si su vida dependiera de convencerte. Para cuando la última nota de piano culmina, estás emocionalmente drenado y con una sonrisa en el rostro.